作曲に才能は必要？音楽制作の5つの誤解

ミュージシャンとして生きるのは、とてもユニークで特別な選択です。成功までの道のりは曲がりくねっていて険しく、周りの仲間やリスナーの意見に振り回されることも少なくありません。

「作曲には才能が必要」など、作曲やスコアリング、プロデュースといった音楽制作には、さまざまな誤解がつきまといます。今回は、そんな音楽制作にまつわる5つの誤解を取り上げ、ひとつずつ解きほぐしていきます。

誤解1：作曲は才能がないと成功できない

音楽制作について最も広く信じられているのが、この考え方かもしれません。そう思われるのも無理はありません。音楽界のビッグネームたちは、驚くほどの技巧をいとも簡単にこなしているように見えるからです。

プリンス、マイケル・ジャクソン、スティーヴィー・ワンダーといったソングライターは、独創的で色あせない、恐ろしいほど密度の濃い作品を数多く残しています。

しかし忘れてはいけないのが、彼らの周りには同じように努力を重ねるミュージシャンたちがいたということです。だからこそ、作曲の際にはいつでも刺激やアイデアを得ることができました。また彼らは、自分よりも上のレベルのミュージシャンと一緒にいることを常に意識していました。

才能があれば音楽の世界でそれなりのところまでは行けますが、頂点までたどり着けることはめったにありません。才能だけで安定した結果を出し続けるのも、まず無理でしょう。作曲で成功するために必要なのは、規律と好奇心、そして新しい知識や視点を取り入れて成長し続けようとする姿勢です。

誤解2：音楽理論は必須

成功しているミュージシャンはみんな音楽理論に精通している、というのもよくある誤解です。技巧と人気はセットで語られがちなので、そう思うのも自然なことでしょう。

ところが実際には、よく練習し、しっかり勉強してきたミュージシャンでも、曲作りのペースをつかめずに悩んでいる人はたくさんいます。音楽理論は創作の引き出しを増やしてくれますが、それをどう使うか、そもそも使うかどうかまでは教えてくれません。

著名なプロデューサーのリック・ルービンは、ジャンルを軽々と飛び越えながら、現代音楽を代表するアルバムを数多く手がけてきました。ルービンは音楽的な直感を強く信じており、音楽とは競争や承認のためのものではなく、自分を探求し、何かを伝えるためのものだと考えています。

心に残る名曲の中には、とてもシンプルで、コードやリズムの基本的な知識しかない人が書いたものも少なくありません。もちろん音楽理論を学べば選択肢の幅は広がりますが、最終的に曲を決めるのは自分の直感とセンスです。

誤解3：曲作りには決まった方程式がある

リスナーもクリエイターも、成功しているアーティストには常にアイデアを生み出し続けるための秘密のルーティンや方法があるはずだ、と考えがちです。古い言い伝えには、伝説的な才能と引き換えに悪魔に魂を売ったミュージシャンの話まであります。

しかし実際には、曲や作品を仕上げるアプローチはいくつもあり、完璧な方法というものは存在しません。

コンスタントに曲を書けるソングライターは、自分に合ったやり方と、逆に足を引っ張るやり方をよく理解しています。さらに、自分の苦手な分野や経験の浅い分野では、誰に、どのタイミングで助けを求めればいいかも分かっています。作詞が苦手な人もいれば、ドラムパートの組み立てやミックスに助けが必要な人もいるのです。

自分の曲作りに合った環境や方法が分かってくるほど、安定して曲を書けるようになり、作品を最後まで仕上げるモチベーションも高まっていきます。

誤解4：他人に好かれる音楽を作ることが大切

この考え方にも一理ありますが、それは音楽を作る目的によってまったく変わってきます。音楽が趣味や日常のちょっとした息抜きで、プロを目指しているわけではないなら、自分が楽しいと思える音を好きなだけ鳴らせばいいのです。

一方で、チャートの上位に入り、大勢のファンを抱え、スタジアム規模のツアーを回るようなアーティストを目指すなら、話は少し複雑になります。

商業的な成功を目指す厳しい競争に飛び込むなら、前に進むために、どこかで自分のクリエイティビティの一部を妥協しなければならない場面が出てくるでしょう。ただし、その妥協は必ずしも悪いものではありません。多くの場合それは、伝えたいことをすべて変えるのではなく、より多くの人に届く伝え方を見つけるということなのです。

曲作りでは、できるだけ柔軟な姿勢でいることを心がけましょう。自分で閉ざす扉が多いほど、探検できる部屋は少なくなってしまいます。