Être musicien est un choix de vie singulier et rare. La route vers le succès est sinueuse et mouvementée, et souvent brouillée par les opinions de vos pairs comme de vos auditeurs. Les idées reçues sur la musique ne manquent pas, qu’il s’agisse de l’art et de la discipline de l’écriture, de la composition pour l’image ou de la production. Dans cet article, nous allons tenter de tordre le cou à quelques-unes d’entre elles. Voici cinq idées reçues sur la création musicale.
« Il faut être naturellement doué pour réussir »
C’est sans doute l’une des idées les plus répandues sur la création musicale, et on comprend facilement pourquoi. Ce qui impressionne, et parfois intimide, chez les plus grands noms de la musique, c’est leur capacité à rendre leur virtuosité naturelle. Des auteurs-compositeurs comme Prince, Michael Jackson ou Stevie Wonder ont à leur actif une œuvre unique, intemporelle et d’une densité vertigineuse.
Il faut pourtant garder à l’esprit que ces artistes étaient entourés d’équipes de musiciens tout aussi travailleurs. Ils avaient donc toujours une source de créativité où puiser pour composer. Ils veillaient aussi à s’entourer de musiciens plus avancés qu’eux. Le talent peut vous mener loin dans le monde de la musique, mais il vous conduit rarement au sommet. Et compter sur le seul talent pour rester régulier n’est pas tenable. Écrire avec succès, c’est une affaire de discipline, de curiosité et d’envie d’acquérir sans cesse de nouvelles connaissances et de nouveaux points de vue pour continuer à progresser.
« La théorie musicale est indispensable »
Autre idée reçue : tous les musiciens qui réussissent auraient une connaissance approfondie de la théorie musicale. Là encore, c’est assez compréhensible, puisque virtuosité et popularité vont souvent de pair. Pourtant, beaucoup de musiciens aguerris et très formés peinent à trouver un rythme de création productif. La théorie peut charger votre pistolet créatif, mais elle ne vous aidera ni à viser, ni même à appuyer sur la détente.
Le producteur Rick Rubin, à qui l’on doit certains des plus grands albums de la musique moderne, passe d’un genre à l’autre avec une aisance déconcertante. Il croit fermement à l’intuition musicale et considère que la musique est une affaire d’exploration de soi et de communication bien plus que de compétition et de reconnaissance. Certaines des chansons les plus mémorables sont aussi les plus simples, et ont été écrites par des gens qui ne connaissaient que quelques accords et rythmes de base. Oui, la théorie vous aidera à mieux comprendre les choix qui s’offrent à vous, mais ce sont votre instinct et votre goût qui façonneront vos compositions.
« Écrire une chanson obéit à une recette »
Auditeurs comme créateurs croient souvent qu’il existe une routine ou une méthode secrète grâce à laquelle les artistes à succès restent créatifs en permanence. Selon de vieilles légendes, certains musiciens auraient même vendu leur âme au diable en échange de leur génie. En réalité, il existe de nombreuses façons d’aborder et de mener à bien une chanson ou une composition, et aucune n’est parfaite.
Les auteurs-compositeurs les plus constants savent quelles méthodes leur réussissent et lesquelles les freinent. Ils savent aussi à qui et quand demander de l’aide dans les domaines où ils manquent de compétences ou d’expérience. Certains compositeurs ont du mal avec les paroles ; d’autres ont besoin d’aide pour construire leurs parties de batterie ou mixer leurs morceaux.
Mieux vous connaissez les environnements et les méthodes qui favorisent votre écriture, plus vous serez régulier et motivé pour mener vos projets à terme.
« Il faut faire une musique qui plaît aux autres »
Il y a une part de vérité là-dedans, mais tout dépend de vos motivations. Si la musique est pour vous un loisir ou une soupape dans votre quotidien et que vous ne souhaitez pas en faire votre métier, alors faites sans hésiter la musique qui vous rend heureux. En revanche, si vous rêvez de cartonner dans les classements, de rassembler un public immense et d’enchaîner les tournées des stades, la question devient un peu plus complexe.
Si vous comptez vous lancer dans la course au succès commercial, vous devrez à un moment ou à un autre faire des compromis sur certains aspects de votre créativité pour avancer. Mais ce compromis n’est pas forcément négatif. Le plus souvent, il s’agira de trouver le moyen de toucher davantage de monde sans changer tout ce que vous avez à dire. Gardez l’esprit ouvert dans votre écriture : plus vous vous fermez de portes, moins il vous reste de pièces à explorer.
« Faire de la musique, ce n’est pas du travail »
Cette idée reçue est sans doute elle aussi parmi les plus répandues, surtout chez les auditeurs. Pour la plupart des gens, la musique est un exutoire, une évasion, un divertissement. Ils n’imaginent donc pas qu’elle demande de la discipline ou un travail acharné, tant elle semble amusante. Rien n’est pourtant plus faux.
Que vous souhaitiez en faire votre métier ou une passion sérieuse, faire de la musique exige de l’engagement et beaucoup de travail. Plus vous travaillez, plus la récompense est belle… la plupart du temps. Beaucoup d’auteurs-compositeurs à plein temps se lèvent chaque jour, travaillent 8 à 12 heures et n’en tirent absolument rien. Malheureusement, ces journées font partie intégrante du processus créatif. Comme le pêcheur qui part en haute mer chercher sa prise, faire de la musique demande patience, temps et persévérance. Après tout, on ne pêche pas de poisson sans monter sur le bateau.
Au-delà des idées reçues sur la musique
Créateurs comme auditeurs se font facilement toutes sortes d’idées sur le quotidien d’un musicien. En réalité, la plupart des auteurs-compositeurs qui réussissent mènent une vie réglée sur leur propre tempo, ce qui demande sacrifices et assiduité. Mais ces mêmes musiciens reconnaissent généralement qu’ils écrivent avant tout par pur amour de leur art, et font passer le reste après. Merci d’avoir lu notre tour d’horizon de cinq idées reçues sur la création musicale.
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