La batterie est un art bien plus vaste qu’il n’y paraît : il ne s’agit pas seulement de tenir un quatre temps régulier. La plupart des batteurs professionnels s’imposent des routines et des programmes de travail pour éviter que leur jeu ne stagne. Si vous voulez enrichir votre technique et varier votre arsenal, il vous faut trouver comment acquérir de nouvelles compétences et de nouvelles astuces pendant vos séances. Dans cet article, nous vous proposons quelques exercices de batterie pour stimuler votre créativité.
Changer de main
C’est souvent l’indépendance des membres qui distingue les bons batteurs des grands. Savoir contrôler librement chaque partie du corps qui contribue à votre son est la base sur laquelle vous construirez toute votre technique. Il est sain d’avoir un échauffement et une routine de travail que vous enchaînez chaque jour, sur une batterie ou un pad d’entraînement. Pendant ces séances, variez vos exercices en changeant de main ou de pied principal. Par exemple, si vous jouez des croches régulières sur le charleston, essayez de les jouer avec l’autre main, ou au pied de charleston. Cette alternance vous aide à sortir des zones de confort mentales dans lesquelles on s’installe en jouant, et vous rend plus réceptif aux idées nouvelles.
Jouer avec le silence
En musique, on apprend souvent que moins, c’est plus. Les musiciens pensent volontiers que la créativité naît de l’ajout d’éléments à une idée, mais on peut aussi progresser en retranchant. La réduction est un exercice utilisé dans de nombreuses méthodes. Les beatmakers empilent souvent autant d’idées que possible, puis regardent combien ils peuvent en retirer tout en gardant une idée complète. En tant que batteur, il est essentiel de voir jusqu’où vous pouvez porter un groove avec un minimum de notes. Prenez quelques-uns des motifs complexes que vous maîtrisez le mieux et voyez combien d’accents et de « pocket » vous pouvez conserver en supprimant des notes essentielles dans certaines mesures. Vous constaterez peut-être que l’élimination de certaines notes renforce la dynamique de certains accents. Un exemple connu est le « one drop » du reggae, où le premier temps de la mesure (généralement la grosse caisse) est laissé vide. Apprendre à jouer avec le silence vous apprendra à choisir vos moments et fera de vous un musicien bien plus percutant.
Anticipation
Larnell Lewis, le batteur de Snarky Puppy, a popularisé cet exercice sur YouTube. Il est sans doute un peu avancé pour les débutants, mais les musiciens expérimentés en tireront de vrais bénéfices. Choisissez un morceau que vous connaissez un peu (ou que vous n’avez jamais entendu si vous avez un bon niveau) et voyez dans quelle mesure vous pouvez le rejouer après une seule écoute. Prenez naturellement des morceaux à votre niveau, ou légèrement au-dessus. Le principe est de développer ce que les musiciens appellent l’écoute active : visualiser ce que vous joueriez sur un morceau pendant que vous l’écoutez. Beaucoup de batteurs ne suivent que la ligne de basse ou le riff principal, alors qu’un backbeat ou un accent fondamental peut suivre une autre partie de la composition. En vous jetant dans le grand bain dès la première écoute, vous obligez votre cerveau et votre corps à travailler avec l’ensemble du morceau, au lieu de vous contenter de tenir le tempo en ajoutant quelques idées éparses.
Sortir de la grille
Une histoire célèbre entoure l’enregistrement de l’album Voodoo de D’Angelo. À l’époque, Questlove, des Roots, tenait absolument à jouer sur ce disque et avait été invité à faire un bœuf avec le groupe de D’Angelo. Décidé à se démarquer, il a joué ses grooves et ses backbeats avec un placement volontairement nonchalant, qui donnait à chaque morceau un « pocket » unique. Sa grosse caisse, sa caisse claire et surtout son charleston tombaient en dehors de la grille, et c’était délibéré. Des producteurs hip-hop comme le regretté J Dilla composaient eux aussi leurs beats dans cet esprit. Comme la mélodie et l’harmonie, le rythme obéit à quelques règles de base que l’on peut facilement tordre, voire enfreindre. Installez-vous avec quelques backbeats simples en quatre temps et un métronome, et voyez jusqu’où vous pouvez décaler votre caisse claire, votre grosse caisse ou votre charleston par rapport au clic. Au début, cela peut sembler peu naturel, surtout si vous avez appris au clic. Mais avec un peu de pratique, votre corps assimilera ce placement en apparence plus nonchalant, et cette souplesse ouvrira la voie à des breaks et à des subdivisions plus intéressants.
Voyager dans le temps
Un grand classique pour gagner en créativité consiste à superposer les signatures rythmiques. La majorité de la musique actuelle est en 4/4 ou en 3/4. Vous pouvez placer des métriques impaires par-dessus pour créer des motifs polyrythmiques qui donnent l’impression de déplacer sans cesse le « pocket » du morceau. Par exemple, vous pouvez caler un motif de batterie en 6/4 sur une composition en 4/4, à condition d’engager entièrement votre cerveau et votre corps dans le motif en 6/4. Cet exercice est réservé aux musiciens expérimentés, car mal l’apprendre nuirait à votre jeu et à votre capacité à compter. Vous trouverez sur Internet de nombreux backing tracks intégrant ce type de superpositions de mesures.
Pour conclure
Développer sa créativité à la batterie est un chemin sans fin, fait de travail et de jeu. Plus on apprend, plus on se rend compte de tout ce qu’on ignore. C’est une idée avec laquelle certains des plus grands musiciens et compositeurs ont fait la paix au fil de leur parcours. En acceptant que vous ne maîtriserez jamais totalement votre instrument, vous restez plus ouvert à la progression, sans être enfermé par des limites imaginaires. Et n’oubliez pas qu’on apprend bien mieux en s’amusant : ce n’est pas un hasard si l’on dit « jouer » de la musique. Merci d’avoir lu nos conseils pour développer votre créativité de batteur.
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